Nascut a Barcelona Quim Bonal comença els seus estudis musicals a l’escola L’ARC de la mateixa ciutat. S’inicia al piano amb MªTeresa Albiol i després amb Albert Romaní amb el qual treballa la interpretació d’estils.

Més endavant coneix Eulàlia Solé i estudia amb ella durants sis anys.

L’any 1992 guanya una beca i es desplaça a París on hi resideix per un llarg període. Aconsellat per Marian Ribizcky amplia els seus estudis pianístics amb Ramzi Yassa. Tres anys més tard coneix Ethéry Djakeli amb qui renovarà tots els seus coneixements tècnics per apropar-se al món del so partint dels assajos i treballs indagats per Marie Jaëll, pianista alsaciana deixeble i amiga de Franz Liszt que abandonà la seva carrera per oferir una alternativa de recerca més profunda i acurada de la tècnica pianística i del so.

Més endavant és guardonat pel "Concours musical de France".

Quim Bonal posa èmfasi en el treball del "Toucher" i, de mica en mica va modulant i buscant un so més volàtil, més transportable.


D’ell s’ha dit que la seva capacitat de concentració fa que no el distreguin elements ex-terns a l’obra i que el seu discurs és sempre conherent.


Una de les actuacions més destacables de Quim Bonal val a dir que va ser la de les Variacions Goldberg de J.S. Bach a Calella de Palafrugell on el públic es posà dret emocionat per la seva interpretació.

Bonal diu: "En la música trobo la més alta raó de creure en la possibilitat de mantenir units els extrems més oposats, els més irreductibles i donar-los aquests marges de llibertat a fi i efecte de mostrar cada element en joc. És aquest el gran ensenyament de la música".

Sempre he pensat que tocar el piano era tan senzill com asseure’s i posar les mans damunt del teclat. Boja il•lusió. Res més lluny de la meva intuïció.

Per obtenir un bon so cal seguir una sèrie de passos o etapes basats en exercicis preparatoris de la mà, el despertar de músculs i grups musculars que tenim adormits i que mai hem desvetllat.

El procés és lent però eficaç a llarg termini. En un món on tot va a un ritme ofegat, eixordador, Marie Jaëll ens brinda l’oportunitat d’asseure’ns en una cadira baixa, d’escoltar-nos, de guardar silenci i de buscar la manera, el camí i el coneixement de les nostres facultats psicofisiològiques, amagades en algun racó del nostre ésser.

Això és el que s’anomena toucher. La recerca d’un record, d’un déjà-vu que ens aporta una sensació efímera que cal retrobar constantment.

En efecte, tocar el piano pot esdevenir un fet simple. El problema o la dificultat es presenta quan ens preguntem què podem fer amb l’instrument, per què toquem, què busquem quan interpretem una peça, com ho podem fer per arribar de manera més profunda a l’ànima del compositor? Com podem fer que el públic vibri i participi del que pot ser un sentir compartit, un tête à tête amb el que escolta?

Els recursos són molts i molt diversos: des de la tensió-contratensió i el despertar de les sensacions tàctils amb els exercicis fora del teclat (rodones, el•lipsis, abduccions, etc.), al redreçament de la tecla que prové del treball amb la cadira baixa, que ens allibera i ens ajuda a fer que el dit trobi aquella elasticitat justa i necessària per poder alliberar tot tipus de tensió.


"...Un bon atac prové d’un pensament que s’ha alliberat..." (Mme. Bosch, deixebla de Marie Jaëll del llibre Art et Maîtrise des mouvements artistiques amb introducció d’Eduardo del Pueyo)

El fet que es deriva d’aquest procés és el de la llibertat. Un tocar tocar lliurement només s’aconsegueix quan l’individu arriba a un fort estat de puresa, quan no té cap obstacle ni distracció davant i pot tenir aquell contacte de la polpa del dit amb la tecla de manera lleugera però adherent, a fi de poder deixar una bona empremta digital sonora mostrant cada element en joc de la peça que s’està interpretant.

Tot sembla fàcil a priori però el treball ha de ser constant i amb molta disciplina si volem aconseguir resultats satisfactoris. El fet de tocar, doncs, pot esdevenir art si genera una mecànica de doble natura: orgànica i estètica. És una manera de trobar-nos amb nosaltres mateixos.

Cada dia ha de ser un retrobament amb les sensacions que, per força un professor iniciat a aquesta filosofia ens despertarà.

Després d’un temps, cadascú segueix el seu camí amb un estil propi però amb unes bases incontestables, fruit d’anys d’investigació científica, de recerca i de troballes en la intervenció dels grups musculars que deriven del braç, avantbraç i esquena.

Jo encoratjo tots aquells que volen engrescar-se a seguir aquest camí que siguin perseverants i que no defalleixin en el ritme de recerca i constància.

Nacido en Barcelona, Quim Bonal comienza sus estudios musicales en la escuela L’ARC de la misma ciudad. Se inicia al piano con Mª Teresa Albiol y posteriormente con Albert Romaní, con el que profundiza en la interpretación de estilos.

Más adelante, conoce Eulàlia Solé y estudia con ella durante seis años.

En el año 1992 gana una beca y se desplaza a París donde reside por un largo período. Aconsejado por Marian Ribizcky amplia sus estudios pianísticos con Ramzi Yassa. Tres años más tarde conoce Ethéry Djakeli con la que renovará todos sus conocimientos técnicos para acercarse al mundo del sonido partiendo de los ensayos y trabajos indagados por Marie Jaëll, pianista alsaciana, sidcípula y amiga de Franz Liszt que abondonó su carrera concertística para ofrecer una alternativa de investigación más profunda y cuidadosa de la técnica pianística en el camino del sonido del piano.

Más adelante es galrdonado por el "Concours musical de France".

Quim Bonal pone émfasis en el trabajo del "Toucher" y, poco a poco va moldeando y buscando un sonido más volátil, más transportable.


De él se ha dicho que su capacida de concentración hace que no le distraigan elementos externos a la obra y que su discurso es siempre coherente.



Una de las actuaciones más destacables de Quim Bonal fue la de las Variaciones Goldberg de J. S. Bach en Calella de Palafrugell dónde el público se puso en pie emocionado por su interpretación.

Bonal dice:"En la música encuentro la más alta razón de creer en la posibilidad de mantener unidos los extremos más opuestos, los más irreductibles y darles esos márgenes de libertad con el fin de mostrar cada elemento en juego. Es esta la gran enseñanza de la música"

Siempre he pensado que tocar el piano era tan sencillo como sentarse y poner las manos sobre el teclado. Loca ilusión. Nada más lejos de mi intuición.

Para obtener un buen sonido es necesario seguir una serie de pasos o etapas basados en ejercicios de la mano, el despertar de músculos y grupos musculares que tenemos dormidos y que nunca hemos despertado.

El proceso es lento pero eficaz a largo plazo. En un mundo dónde todo va a un ritmo agitado, ensordecedor, Marie Jaëll nos brinda la oportunidad de sentarnos en una silla baja, de escucharnos, de guardar silencio y de buscar la manera, el camino y conocimiento de nuestras facultades psicofisiológicas, escondidas en algún rincón de nuestro ser.

A esto le llamamos Le Toucher. El encuentro de un recuerdo, de un dejà-vu que nos acerca a una sensación efímera que nesitamos reencontrar constantemente.

En efecto, tocar el piano puede convertirese en un hecho simple. El problema o la dificultad se nos presenta cuando nos preguntamos que se puede hacer con el instrumento, ¿porque tocamos?, ¿qué buscamos cuando interpretamos una pieza, cómo podemos hacer para llegar de un modo más profundo al alma del compositor?¿Cómo podemos hacer que el público vibre y participe de lo que pudiera ser un sentir compartido, un tête à tête con el que escucha?

Los recursos son muchos y muy diversos: desde la tensión-contratensión y el despertar de las sensaciones táctiles con los ejercicios fuera del teclado (Redondas al aire, elipsis, abducciones, etc.), al enderezamiento de la tecla que proviene del trabajo en la silla baja, que nos libera y nos ayuda a hacer que el dedo encuentre aquella elasticidad justa y necesaria para poder liberar todo tipo de tensión.


"...Un buen ataque proviene de un pensamiento que se ha liberado..." (Mme. Bosch, discípula de Marie Jaëll de el libro Art et Maîtrise des mouvements artistiques con introsucción de Edurado del Pueyo)

El hecho que se consigue a partir de este proceso es el de la libertad. Un tocar libre solo se consigue cuando el individuo llega a un fuerte estado de pureza, cuando no tiene ningún obstáculo ni distracción delante y puede tener aquel contacto de la pulpa del dedo con la tecla de manera ligera pero adherente, con el fin de poder dejar una buena imprenta digital sonora mostrando cada elemento en juego de la pieza que se está interpretando.

Todo parece fácil a priori pero el trabajo debe ser constante y con mucha disciplina si queremos conseguir resultados que nos satisfazcan. El hecho de tocar, pues, puede convertirese en arte si generamos una mecánica de naturaleza doble: orgánica y estética. Es un modo de encontrarnos a nosotros mismos.

Cada dia tiene que ser un encuentro con las sensaciones que, convenientemente un profesor/a iniciado a esta filosofia nos despertará.

Después de un tiempo, cada uno sigue su camino con un estilo propio pero con unas bases indiscutibles, fruto de años de investigación científica, de búsqueda y logros en la intervención de los grupos musculares que derivan del brazo, ante-brazo y espalda.

Yo animo a todos aquellos que quieren entusiasmase a seguir este camino, a que sean perverantes y que no defallezcan en el ritmo de búsqueda y constancia como lo fueron los pianistas Dinu Lipatti y Eduardo del Pueyo, grandes buscadores de sonido.